El patrocinio de las artes por parte de las élites sociales tiene una historia profunda. Las obras de arte en sí han funcionado como una clase de activos desde antes del capitalismo, mientras que la financiación de las instituciones artísticas ha ayudado a los ricos a consolidar su estatus social. Para los ricos modernos, el apoyo a las artes ha sido durante mucho tiempo un medio favorito para lavar reputaciones empañadas. Antes de la reciente ronda de sanciones y congelaciones de activos, los superricos rusos donaron generosamente a las instituciones artísticas. En 2008, David Koch donó 100 millones de dólares para la renovación del Lincoln Center.
Y luego están los Sacklers, la familia multimillonaria detrás de Purdue Pharma y la droga OxyContin, ambos ampliamente culpados por la actual epidemia de opiáceos. Algunos de los benefactores de arte más lujosos del planeta, la familia Sackler, ha donado sumas masivas a muchos de los museos y galerías más prestigiosos del mundo. Quizás lo más notable es que el apellido adornó durante mucho tiempo un ala en el Museo Metropolitano de Arte que alberga el Templo de Dendur (presentado memorablemente en Cuando harry conoció a sally). Durante un tiempo, estas inversiones artísticas otorgaron a la familia un estatus cultural elevado, incluso cuando sus drogas empobrecieron a millones.
El documental nominado al Oscar Toda la belleza y el derramamiento de sangre, dirigida por Laura Poitras, describe los esfuerzos de la fotógrafa Nan Goldin para responsabilizar a la familia Sackler. Una estrella en el mundo del arte, Goldin saltó a la fama con su presentación de diapositivas de 1985 y su libro posterior. La balada de la dependencia sexual, una colección de fotografías que muestran de manera íntima e inquebrantable la vida de bohemios, artistas y consumidores de drogas en Nueva York a finales de los años setenta y principios de los ochenta. “Lo que le interesa a Goldin”, escribió Hinton Als en 2016, “son los gestos y colores aleatorios del universo del sexo y los sueños, el anhelo y las rupturas: los rojos y rosas eléctricos, los negros y azules profundos”.
En la película, Goldin cuenta cómo le recetaron OxyContin para una cirugía y rápidamente se volvió adicta. Después de años de abuso, tomó una sobredosis de fentanilo. Goldin sobrevivió y finalmente se limpió. Ella pone su experiencia, y la de otros, a los pies de la familia Sackler. Como ella escribió en Artforum en 2018, “La familia Sackler y su empresa privada, Purdue Pharma, construyeron su imperio con las vidas de cientos de miles. Los cuerpos se amontonan”.
Toda la belleza y el derramamiento de sangre es tanto un ajuste de cuentas personal como un proyecto activista. Documenta cómo Goldin, junto con un grupo que fundó en 2017 llamado Prescription Addiction Intervention Now (PAIN), trabajó para aflojar el control de los Sacklers sobre el mundo del arte.
Recientemente, la crítica del mundo del arte como irremediablemente en deuda con el capitalismo se ha vuelto ensordecedora. En 2021, el artista chino de renombre internacional Ai Weiwei declaró que el mundo del arte contemporáneo ahora ha sido completamente subsumido bajo el capitalismo. En una revisión reciente, Catherine Liu y Drake Tyler sostienen que la captura del arte por parte del capitalismo es el mensaje detrás de la película de Todd Field. Depósito: “el arte es esclavo del dinero y, por lo tanto, se deforma.” Pero Goldin y PAIN demostraron que la lucha no ha terminado del todo, demostrando el poder de los artistas para confrontar directamente a la clase capitalista. Sin embargo, esta no es una historia sobre el poder del arte. Más bien, la película ilustra cómo los artistas, organizando y desplegando su propio capital cultural, pueden confrontar productivamente al capitalismo al exponer y condenar el pacto en gran medida incuestionable entre el dinero y el arte.
El documental entrelaza la historia del activismo de Goldin y su biografía como artista. Cuenta la huida de Goldin de un hogar autoritario tras el suicidio de su hermana mayor y su eventual descubrimiento de la fotografía en Satya Community School, una escuela secundaria alternativa en Lincoln, Massachusetts. Allí conoció a David Armstrong, quien se convirtió en un amigo de toda la vida y fotógrafo por derecho propio. Con Armstrong, Goldin encontró su camino a Nueva York y a la escena No Wave de fines de la década de 1970 que sirvió como telón de fondo para su trabajo más reconocido.
En compañía de otras figuras contraculturales de Bowery como el escritor y actor Cookie Mueller y la cineasta Vivienne Dick, Goldin encontró su voz artística al retratar las vidas de los que estaban en la escena. Pero las imágenes de Goldin del período capturaron un mundo al borde del colapso. El escenario sería diezmado por la crisis del VIH/SIDA de la década de 1980. Muller y muchos de los que aparecen en La balada de la dependencia sexual moriría de la enfermedad.
La crisis también le ofreció a Goldin su primer encuentro con el activismo. A fines de 1989, Goldin curó una muestra sobre el VIH/SIDA en Artists Space llamada Testigos: contra nuestra desaparición. Presentando el trabajo de amigos y compañeros artistas, incluido David Wojnarowicz, quien moriría de la enfermedad en 1992, la exposición buscaba representar “los efectos del SIDA como una metáfora de la evolución de la estética gay”. Pero el Fondo Nacional para las Artes (NEA), patrocinador del evento, retiró su apoyo, citando la naturaleza política de la exhibición.
ACT UP, el grupo de defensa del VIH/SIDA fundado en 1987, protestó por la retirada y escribió: “Creemos que es importante confrontar y protestar contra este intento de la NEA de marginar a las comunidades que viven con la crisis del SIDA y limitar el acceso a la expresión artística que puede ser crítico con los funcionarios públicos”. La NEA, bajo coacción, posteriormente cedió y liberó el dinero.
Goldin ha dicho que ACT UP sirvió como una inspiración crucial para PAIN
La segunda parte de la película sigue las acciones contemporáneas que Goldin y PAIN llevaron a cabo en varios museos y galerías que llevan el nombre de Sackler. La película comienza con una muerte en el ala Sackler del Met. Otra acción tiene lugar en 2019 en el Guggenheim, donde el arte de Goldin forma parte de la colección permanente. Durante la exhibición de Hilma af Klint, los miembros del grupo hicieron llover botellas de píldoras desde las galerías superiores, mientras que otros organizaron una muerte en la planta baja. Otro evento protestó contra el Museo Arthur M. Sackler en Harvard.
Emocionantemente, la película relata un impresionante conjunto de victorias que siguieron al activismo de PAIN. En 2019, la National Portrait Gallery de Londres rechazó una subvención de £ 1 millón de los Sacklers. En los años posteriores, la Tate, el Guggenheim, el Louvre y otras instituciones siguieron su ejemplo. En 2021, el Met eliminó el nombre Sackler de varios espacios, incluido el ala que alberga el Templo de Dendur. En 2022, el Guggenheim eliminó el nombre Sackler de su centro educativo.
En 2021, en un movimiento que, según Goldin, se hizo para permitir que la familia Sackler escapara de más litigios, Purdue Pharma se disolvió en un acuerdo de bancarrota. Una condición del acuerdo estipulaba que la familia pagaría $4.500 millones durante nueve años para resolver la demanda.
Quizás lo más satisfactorio es que la película muestra el resultado de un fallo legal que ordena que los miembros de la familia Sackler sean testigos del testimonio de la víctima. Los espectadores disfrutan de impresionantes imágenes de Goldin y otros activistas de PAIN viendo una llamada de Zoom en la que David, Richard y Theresa Sackler dan su testimonio sobre el costo humano de la epidemia de opiáceos. En una era en la que las élites están ampliamente enclaustradas, es estimulante y profundamente satisfactorio presenciar la incomodidad palpable de los multimillonarios cuando se enfrentan al costo humano de su explotación. Una oradora en el proceso se describe a sí misma como una “sobreviviente de su codicia monumental”.
Entendido desde la perspectiva de la construcción del movimiento, el último desafío de Goldin a la clase capitalista no es una crítica formulada por la obra de arte en sí misma, una táctica con un valor posiblemente decreciente. Más bien, su estrategia es el activismo de confrontación que ejerce una presión real sobre el mundo del arte para que responda por sus vínculos con las élites. Si bien muchos artistas han tolerado (o, en muchos casos, incluso cortejado) la financiarización del arte y el patrocinio de las artes para reparar reputaciones empañadas, el trabajo de Goldin demuestra el sorprendente poder que ejercen las figuras culturales cuando se niegan a participar en el juego del capitalismo. Como ella dice, “El mensaje es más fuerte cuando viene del interior de la casa”.
Fuente: jacobin.com